PostHum Condition: A Tribute to Guernica Michel Platnic
PostHum Condition: A Tribute to Guernica Michel Platnic
DHSS (Digital Humanities and Social Sciences) Hub The Open University of Israel Gallery Artistic Director Prof. Hava Aldouby, Department of Language, Literature, and the Arts PostHum Condition: A Tribute to Guernica / Michel Platnic Curators Prof. Hava Aldouby and Carmit Blumensohn May – September 2025 Catalogue Coordinator Nili Paz Editing Karin Eliyahu English Translation Prof. Hava Aldouby, Shirley Wegner English Editing Lillian Cohen, Jean Vermel Design and Layout Anat Waknin Appelbaum, Ilana Broitman Akselrod Photos of exhibition Tal Nisim Cover image from PostHum Condition: A Tribute to Guernica, 2025 Thanks Models Alain Zeitoun, Gily Binder Assistants Daniel Raz, Michal David, Rina Shevchenko, Yael Friedman, Carmel Ben-Or Software Engineer Paul Fertser, Aleksandr Korshunov The Open University Gallery, 2025 © Dorothy de Rothschild Open University Campus 1 University Rd., P.O. Box 808, Ra’anana 4353701
PostHum Condition: A Tribute to Guernica Michel Platnic curators: Hava Aldouby and Carmit Blumensohn Video documenting the work process
E4
E5
E6 Probing the (Post) Human Condition: Michel Platnic’s Tribute to Guernica Hava Aldouby Michel Platnic’s artistic journey demonstrates a deep and evolving engagement with painting, both as a fundamental material practice in his early work and as a rich and complex source of art historical reference in his later video tableaus and AImediated moving image installations. His unique approach involves performative engagement with painting as a springboard to explore enduring existential concerns. Platnic’s early career involved daringly transposing his own self-portrait, which he had previously painted on canvas, directly onto his bare skin (figure 1). This work, which went beyond conventional portraiture, marked a crucial juncture in the evolution of Platnic’s practice. His experimentation with unmediated contact between paint and skin continued in subsequent works, as he explored skin as a border and protective envelope, both physically and culturally. Platnic's works intimately engage with the skin, as if cultivating a second skin of paint, tangibly exploring the vulnerability of the subject's borders. The artist's deep interest in the corporeal and performative aspects of painting has set the stage for a sustained exploration of works by
E7 painters from troubled historical eras, incorporating the works of Francis Bacon in After (2013; figure 2), and Egon Schiele in Bordermine (2020; figure 3). In After, Platnic undertakes performative video reconstructions of Bacon’s triptychs, constructing threedimensional emulations of Bacon’s distorted spaces, in which he and other performers don the painted skins of Bacon’s troubled protagonists. By casting himself in the role of several Bacon figures, Platnic probes the horror of these figures’ disfigurement and loss of human form. And yet, he returns their capacity to move and breathe. While remaining disfigured and vulnerable, Platnic’s re-embodied Bacon figures seem to gain back their humanity. Similarly, in Bordermine, he and his performers impersonate Schiele’s anxious protagonists in visually haunting and technically ambitious videos. The title Bordermine itself complicates notions of selfhood, as the artist seeks to define his borders within another artist’s skin. This practice of "growing a second skin" of painting, while invoking modern art at its most troubled and anxious, speaks to the loss of humanity that Platnic perceives in the current encounter between human subjects and technology. In 2023, Platnic turned to the exploration of AI-driven moving-image production Figure 1. Michel Platnic, Self Portrait, 2009. Lambda print.
E8 in the first two installments of the series PostHum Condition. In Children Playing (2023), and Tammuz (2024), he deployed generative AI as an avatar, an alien agent introduced into the creative process to add an eerie layer of estrangement. By allowing the avatar to interfere with his own drawings, watercolors, and video footage, Platnic addressed concerns and anxieties visà-vis the techno-cultural race towards artificial intelligence. In these works, Platnic proceeds to develop a highly idiosyncratic visual language. He returns to painting as a potent medium of communication, which he invokes through iconic painters such as Bosch and Picasso. Tammuz (figure 5) is a stop-motion UHD video that draws on Hieronymus Bosch’s triptych The Hermit Saints (c. 1493) as a primary stated reference. As in Platnic’s earlier videos, the production begins with overpainting a performer’s face and body to emulate Saint Jerome from the central panel of The Hermit Saints. Platnic also created a painted tree and a separately painted background, which were then subjected to a generative process using a customized early open-source version of Stable Diffusion, isolated from the internet and thus from further external learning. The video was composed frame by frame from generated images based on Platnic’s original drawings, paintings, and video footage of the performer, guided by his programming and open-ended prompts. The process involved selection and recombination of AI-generated images, allowing Platnic to direct the generative process while maintaining a degree of random flow. Figure 2. Michel Platnic, After “Three Studies for Portrait of Lucian Freud”, 2013. Three Videos, Full HD each.
E9 Children Playing (figure 6) employed a similar generative process involving Platnic’s drawings and photographs, but with a higher degree of control over the iterations. The starting point for this work was Picasso’s Claude and Paloma Drawing (1954), which Platnic remade in watercolor as an “augmented Picasso,” adding an urban background. While the reference to Picasso is not as easily identifiable as the Bosch reference in Tammuz, it remains a potent entry point into a dystopian universe. As in Tammuz, the generative process was applied separately to distinct elements—background, trees, a sunflower, and the two children— which were later recombined. The painterly quality is evident in Platnic’s hand-painted elements and in the visual aesthetic of the generated images. In turn, the AI avatar introduces a sense of estrangement, generating various distortions of the human body and the surrounding environment. Platnic’s recourse to Picasso in this context of pending catastrophe was triggered, he says, by the figures of Picasso’s children, Claude and Paloma, who were similar in age to his own children at the time. In Platnic’s words, Figure 3. Michel Platnic, After "Boy Lying Down" (Erich Lederer), 2020. Video UHD.
E10 "Wars, conflicts, different philosophical views and understanding of … reality are leading to the destruction of our environment. And in the middle: my children, the future generation that I view with anxiety, who will have to endure the world changing at a speed that I fear at times as either uncontrolled or overly controlled.”1 The disquieting sense of human vulnerability and powerlessness in the face of technologically-induced disaster continues to resonate in Platnic’s 2025 installation PostHum Condition: A Tribute to Guernica, on exhibit at the Open University Gallery (May-August 2025). This fourth work in the series PostHum Condition2 reflects Platnic's return to manual craft and mechanical animation, combined with real time interaction with visitors through motion sensors and surveillance cameras. The installation, comprising eight video works and five mechanical “robots” animated by servo motors, continues Platnic’s sustained investigation into twenty-first-century existential concerns. Here, he reverts to painting that is more explicitly political, invoking Picasso’s Guernica (1937), painted in 1 Personal communication, 2024. 2 Garden Muse (2023), is also part of the series PostHum Condition. 3 Find out more about Picasso’s Guernica on pablopicasso.org. the aftermath of a devastating Nazi air strike on the Basque town of the same name during the Spanish Civil War.3 In Picasso’s Guernica—which has become an icon of the horror and agony of war—we face a cataclysmic moment in which the human subject, a vulnerable creature of flesh and blood, crosses paths with technological progress in the form of highly destructive weaponry. In A Tribute to Guernica, Platnic focuses on the current moment in 2025, where the gradually thinning divide between humanity and technology seems to have finally been breached, ushering in the post-human era. Tapping into this ominous moment, Platnic uses Picasso’s painting as his point of entry into a techno-dystopian inquiry. Furthermore, Platnic's invocation of Guernica at this particular moment in Israel’s history bears a searing specificity to the October 7th massacre and its aftermath. In A Tribute to Guernica, Platnic extracts individual figures from Picasso’s composition: a dead baby; a horse neighing in agony; a small bird tilting its neck in pain; an openmouthed dead man lying on the ground; a woman raising her hands in despair
E11 and another struggling through a window; a detached hand; the “sun,” which in Picasso’s painting illuminates the horror; and incongruously, a tiny flower – a speck of innocence planted by Picasso in this scene of death. By detaching these figures from the composition, Platnic grants each a space of individuality in which to subtly convey their helplessness and despair. The figures and objects appearing in the videos are animated manually. Thus, the strings attached to the bird’s wings and the baby’s limbs are visible, along with the hands that work them. As they encounter the videos, viewers may be shocked by the appearance of human eyes glimpsed through holes of apparently lifeless silicon masks. In turn, the objects presented in the gallery space are animated by servo motors. The baby turns its head, its eyes following the visitors, and the horse moves its limbs helplessly in midair. The fragmentation process does not stop at wresting figures from Picasso’s composition, but goes as far as assembling a single figure from the body parts of three different performers. Thus, the screaming woman’s limbs, painted a sickly yellow, belong to two different people, while the masked head is that of a third performer. The Figure 4. Michel Platnic, Tammuz, 2024. Still from video.
E12 dead man on the ground is encased in a full silicon mask overpainted in acrylic, with holes allowing a glimpse of agonized human eyes, and a tongue visible through a gaping, lipless hole, in place of a mouth. The only creature that remains unscathed is the flower, animated on video by the artist's hands, which are visible throughout. One hand is enclosed in a sculptural yellow glove, while the other’s bare skin is overpainted in black and thus partly obscured, requiring effort to discern it against the black background. The protagonists of PostHum Condition: A Tribute to Guernica appear more human than post human in their expressed low-tech make up and lack of technological glitz. And yet, Platnic perceives of them as robots, a term bearing distinct techno-dystopian connotations. They thus occupy an interstitial space between the human and non-human. Rather than a mystifying technological apparatus, it is the artist’s hands that visibly pull strings and levers to animate the bird and the flower, and we see human eyes peering through holes in objectified silicon skins. When an object, especially a humanoid, comes to life and returns our gaze, we come face to face with the Freudian uncanny, and it is precisely this unsettling experience that Platnic is seeking in his tribute to Guernica. In Figure 5. Michel Platnic, Children Playing, 2023. Still from video.
E13 Picasso’s monumental composition, the humans and animals are ensconced in their agony, and do not communicate with the viewer. Platnic’s figures return our gaze, whisper, or engage through motion as a way of immediate response. When a visitor approaches the video monitors, the respective video fadesin, its protagonist coming to life. A similar animation takes effect when we approach the “robots” in the gallery space. Each comes to life according to Platnic’s programming, yet they convey a sense of emotional immediacy that is far from mere technological manipulation. These figures seem to occupy a thin interval between the human and the post human, acting as potent triggers for emotional awareness. Platnic’s tribute to Picasso’s Guernica is thus essentially very human. This is strongly apparent in the anxiety with which Platnic's installation probes his perception that human culture is being erased by increasingly complex human-created technologies.
E14 Guernica as Inspiration, Then and Now Carmit Blumensohn The challenging and direful days that the Israeli people and their nation are experiencing in the wake of the shocking massacre of innocent civilians on October 7, 2023, calls for a rethinking of the way in which we read our own history, art, and culture. Whether in moments of joy or distress, art has always been a way to cope with reality. Artists respond to events and tell their stories, each in their own way, thereby contributing to the formulation of our collective memory. From the depths of shock, choked up with grief, we are witnessing a flood of responses. It seems that contrary to the well-known saying… ״when the cannons roar, the muses are silent״, this time, when the cannons roar, the muses are intensified. Many Israeli artists have turned to their work to process the horror and to commemorate the victims—through installations and murals in public spaces, and through illustrations and paintings in all forms across social media. They have done this out of a sense of urgency and a need to pay tribute to the lives cut short, and to express the magnitude of the rupture it created. In this context, art is perceived as a tool for protest, and as a way to address both personal and national pain. Works of art that were created even before that Black Saturday and the war,
E15 are now charged with chilling relevance. It appears as though the preoccupation with anxiety and terror on one hand, and with beauty and life itself on the other, has always been present. GUERNICA Pablo Picasso's painting Guernica (1937) was created in response to the bombing of the Basque town of Guernica, carried out by the Nazi air force, which claimed many civilian lives. Picasso created this monumental piece (measuring 776x349 cm) in black and white as a powerful form of protest against violence and destruction, focusing on the suffering of civilians, soldiers, and animals that were lost. Over the years, Guernica has become one of the most powerful and moving iconic representations of the disasters of war, of resistance to violence, and the memory of its victims. This piece raised global awareness to the suffering caused by war, and is considered a masterpiece of political protest art. The painting features images of a mother mourning her dead infant lying in her arms, a wounded horse with a gaping mouth, a fallen warrior, a woman engulfed in flames, and people whose eyes and mouths are agape in terror and shock — all reflecting the torment and loss that war brings. Pablo Picasso, Guernica, 1937. Oil on canvas, 349.3 x 776.6 cm. EnriquePSans / Alamy Stock Photo
E16 Zoya Cherkassky's painting October 7, 2023 was one of the first to appear online following the massacre, and it quickly gained widespread attention. Painted in the immediate aftermath of the attack, it echoes the profound distress, anxiety, and collective shock that permeated the whole country. The composition depicts three generations of a family: grandparents, parents, three children and an infant, crowded in physical proximity in a small, dark, empty space. Hovering above is a skull that serves as The uniqueness of Guernica lies in its ability to transform an historical event, set in a particular moment in time, into a universal work of art. Its expressive drama is charged with rage, protest, and human outcry; it further breaks the codes of tangibly representing reality, as these were previously known, since the Renaissance. Following the October 7th massacre, Israeli artists have drawn inspiration from Guernica in their responses to the traumatic events that occurred here. Zoya Cherkassky, 7 October, 2023, 2023. Mixed media on paper, 30 x 30 cm
E17 an ominous warning sign, and above them hangs a lamp similar to the one in Picasso's Guernica. This lamp carries multiple symbolic interpretations—it resembles an eye, a bomb, or even, as some critics have suggested, the Holy Spirit descending from above. Cherkassky employs a deliberately restricted color palette, with striking red garments worn by three family members creating visual focal points. Most haunting are the eyes of the figures—they are open wide with terror, fixed collectively on something beyond the viewer's field of vision. Perhaps they stare at a door or gateway, a threshold of horror they dread—an entrance through which calamity might arrive. Karim Abu Shakra chooses to reference only one figure from Picasso's Guernica: the dead infant. Yet, instead of being held in its mother's arms, the child is cradled by the prickly pear cactus—Abu Shakra's signature motif and visual emblem. Karim Abu Shakra, Untitled, 2023. Oil on paper, 70 x 100 cm
E18 The space in which it is set is dark and somber, dominated by emptiness and void. The composition draws the viewer upward toward the iconic lamp, which resembles a bomb. The red paint in the painting seems fleshy and material, likened to dripping blood. A drawing by Zeev Engelmayer in black, white, and gray also expresses chaos and terror. The figures are situated in extreme proximity, some lying on the ground, hands raised in all directions, pleading. To the Jewish-Israeli eye, they evoke Holocaust imagery. Their eyes are prominent, in some, a single tear that expresses the intense anxiety is contained within. In Aviv Grinberg's work A Moment in Hell, disorder reigns. The figures desperately cling to one another, their hands protecting their faces in shock, while they remain attached to their screens that appear to be the only bridge to the outside world. The painterly tones of black, white, and gray are closing in on the space, leaving no breathing Zeev Engelmayer, Nova Music Festival, 2023. pencil on paper, 21 x 30 cm
E19 room, while splashes of red paint peek through here and there from books or screens that are scattered everywhere. The sense of chaos and loss of control is made tangible through every aspect of this pictorial expression. Tsibi Geva's painting series After the Party refers to the Nova music festival massacre. The deep emotions arising from Picasso's ground-breaking painting seem to reconnect here to the pictorial elements of chaos. It is as if a loud and terrifying scream emanates from within the field of the entire painting. The physical terror can be felt through the twisting lines and dense color spots—these can be experienced as oppressive, grappling and threatening all at once. Similarly to Guernica, while engaging with this painting, viewers may lose their orientation: The world turns upside down, the earth is uprooted, and bodily fluids depicted in red and yellow flow and drip throughout. The paintings in the series maintain an explosive power, with images that appear like steel cuts Aviv Grinberg, A Moment in Hell, 2023. felt-tip pens on paper, 30 x 20 cm
E20 nestled between brushstrokes, creating an ensemble of layers of hardness and fragility all at once. Behind all this lies a terrifying thought: how could this possibly have happened? Is this human? Many exhibitions have been displayed, and many installations have been exhibited in museums and galleries throughout the country, allowing, at least to some extent, the expression of horror and endless anxiety and stress, alongside coping mechanisms to deal with the tragic news that continues to arrive. From all these examples and responses, the central role of art emerges in processing collective trauma, commemorating memory, and calling for protest. In Guernica, Picasso was a pioneer in turning the pain and destruction of an historical event into a visual outcry, and as we have seen, many Israeli artists referred to it as a Tsivi Geva, After the Party, 2024. 178 x 178 cm. Photo: Elad Sarig
E21 departure point for work dealing with the events of October 7, 2023. Art enables its collective to remember and commemorate what cannot be put into words, and to give tangible form to complex emotions such as grief and rage. By formulating difficult experiences into images, art acts not only as a mechanism for remembrance, but it also helps to shape a shared coping narrative and healing. In Guernica, a lone flower sprouts among the ruins and screaming bodies. Similarly, the works of art born out of the October 7th disaster carry within them the seeds for rehabilitation and social unification, for a memory that will not be forgotten, and for a future that will be built from its ruins.
19 מכל הדוגמאות והתגובות הללו עולה תפקידה המרכזי של האמנות בעיבוד הטראומה הקולקטיבית, בהנצחת הזיכרון ובביטויי המחאה. פיקאסו היה חלוץ בהפיכת כאב וחורבן של אירוע היסטורי לזעקה חזותית , וכפי שראינו אמנים ישראלים גרניקהב רבים התייחסו אליה כנקודת מוצא ליצירה .2023 באוקטובר 7 המתמודדת עם אירועי האמנות מאפשרת לחברה לזכור ולהזכיר את שקשה לבטא במילים, ולתת צורה מוחשית לרגשות מורכבים של צער ושל זעם. דרך ניסוח החוויות הקשות בדימויים האמנות מסייעת לא רק לזיכרון האירועים, אלא גם לעיבודם ולעיצוב נרטיב משותף של מנץ פרח בודד גרניקההתמודדות והחלמה. ב מבין ההריסות והגופים הזועקים, ויצירות באוקטובר 7 האמנות שנולדו מתוך אסון נושאות בחובן את הזרעים לשיקום הנפש וללכידות חברתית, לזיכרון שלא יישכח ולעתיד שייבנה מתוך ההריסות. . צילום: אלעד שריג 178X178 , אקריליק, קולאז' וגומי על בד, 2023 ,אחרי המסיבהציבי גבע,
18 השליטה והכאוס מומחשים בכל אופני המבע הציוריים. סדרת הציורים של ציבי גבע ”אחרי המסיבה” מתייחסת לטבח במסיבת נובה. התחושות העמוקות העולות מציורו שובר המוסכמות של פיקאסו מתקשרות אצל גבע למאפיינים הציוריים של הכאוס. זעקה רמה ומחרידה כמו נשמעת ממרחבי הציור, והאימה הגופנית מומחשת בפיתולי הקו ובכתמיות הדחוסה של הצבע אשר נחווית כמעיקה, , גם גרניקהלופתת ומאיימת. בדומה ל לנוכח עבודה זו הצופים מאבדים התמצאות במרחב: העולם מתהפך, האדמה נתלשת ונוזלי גוף בגוונים אדומים וצהובים ניגרים מסביב. ציורי הסדרה אוצרים בתוכם עוצמה מתפרצת, דימויים הנראים כחיתוכי פלדה טמונים בין משיכות המכחול כך שנוצרות שכבות של קושי ושל פריכות גם יחד. ואחרי ככלות הכול מבצבצת המחשבה המטרידה עד אימה: איך כל זה היה יכול להתרחש? הזהו אדם? תערוכות רבות הוקמו במוזיאונים, בגלריות וברחבי הארץ, והן אפשרו, ולו במעט, לבטא את האימה, החרדות האינסופיות, המתח וההתמודדות עם החדשות הרעות שלא הפסיקו להגיע. 20X30 , טושים על נייר, 2023 ,רגע בגיהינוםאביב גרינברג,
17 המת. במקום זרועות אימו אוחזות בו זרועות הצבר, גיבורו הציורי וסימן ההיכר של אבו שקרה. החלל כהה ואפל, ושולטים בו הריק והאַיִן. הקומפוזיציה מושכת את עין הצופה כלפי מעלה אל המנורה האיקונית, הנדמית כפצצה. האדום בציור הוא בשרני, חומרי, כדם שותת. , רישום של זאב אנגלמאיר המסיבה ברעים בשחור, לבן ואפור, מבטא גם הוא את הכאוס ואת האימה. הדמויות מוצבות בצפיפות רבה, חלקן מוטלות על הקרקע, הידיים מונפות לכל עבר בתחינה ומזכירות לעין היהודיתישראלית את דימויי השואה. העיניים בולטות, מחלקן זולגת דמעה אחת בודדת המבטאת את החרדה העצומה האצורה בפנים. של אביב גרינברג רגע בגיהינוםבעבודה שולטת אנדרלמוסיה. הדמויות נצמדות זו אל זו בחוסר שקט, הידיים מגינות על הפנים בזעזוע והדמויות נצמדות למסך הטלפון, שנדמה כמו הגשר היחיד לעולם שבחוץ. גוני השחור-לבן-אפור סוגרים על המרחב ואינם מותירים מרווח נשימה, בעוד כתמי צבע אדום מבצבצים פה ושם על גבי ספרים או על מסכים המוטלים מכל עבר. חוסר 21X30 , רישום עיפרון, 2023 ,המסיבה ברעיםזאב אנגלמאיר,
16 באוקטובר, אמנים ישראלים שאבו השראה בהתייחסותם לאירועים הקשים גרניקהמ שהתרחשו כאן. 2023 באוקטובר 7 ציורה של זויה צ'רקסקי היה אחד הראשונים שעלו לרשת וזכו לתפוצה רחבה. הוא צויר בימים הראשונים לאחר הטבח ומהדהד את האווירה הקשה ומלאת החרדה ואת ההלם ששרר בארץ. הציור מתעד שלושה דורות במשפחה: זוג סבים, זוג הורים, שלושה ילדים ותינוק, המצטופפים בחלל קטן, חשוך וריק. מלבדם נוכחת גולגולת, המרחפת בחלל כסימן אזהרה מבשר רעות, ומעליהם . המנורהגרניקהמנורה המאזכרת את זו מה מזכירה עין או פצצה, ופרשנויות אחדות אף קישרו אותה לרוח הקודש המרחפת מעל. פלטת הצבעים מצומצמת, ובה בולט הצבע האדום בבגדיהם של שלושה מבני המשפחה. עיני הדמויות מודגשות: הן פעורות באימה ומרוכזות כולן בדבר מה שמעבר לצופה, אולי בדלת, שער האימה שמפניו יגוֹרו – פתח הרעה הנוראה. כרים אבו שקרה בוחר להתייחס לדמות אחת בלבד מדמויותיו של פיקאסו: דמות התינוק 70X100 , שמן על נייר, 2023 ,ללא כותרתכרים אבו שקרה,
15 30X30 , טכניקה מעורבת על נייר, 2023 ,2023 באוקטובר 7 זויה צ'רקסקי, ס״מ) 776 x 349 את היצירה גדולת הממדים ( בשחור-לבן כמחאה עוצמתית נגד האלימות וההרס, תוך התמקדות בסבלם של אזרחים, של חיילים ושל בעלי חיים. עם השנים לאחד מן הייצוגים האיקוניים גרניקההפכה החזקים והמטלטלים ביותר של זוועות המלחמה, של ההתנגדות לאלימות ושל זכר קורבנותיה. היא עוררה מודעות עולמית לסבלות המלחמה, ונחשבת ליצירת מופת של אמנות מחאה פוליטית. בציור מוצגים דימויים של אֵם המתאבלת על תינוקה המוטל מת בזרועותיה, סוס פצוע שלועו פעורה, לוחם מת, אישה עולה בלהבות ואנשים שעיניהם ופיהם פעורים מאימה ומסבל – כולם ממחישים את הייסורים ואת האובדן גרניקה שמביאה המלחמה. ייחודה של טמון בכך שהצליחה להפוך רגע היסטורי ספציפי ליצירת אמנות אוניברסלית. הדרמה טעונה זעם, גרניקה האקספרסיבית של מחאה וזעקה אנושית, תוך שבירת קודים של ייצוג המציאות הממשית כפי שאלה 7 היו מוכרים מאז הרנסנס. לאחר טבח ה־
14 הימים הקשים והנוראים העוברים על המדינה ועל החברה הישראלית בעקבות 7 הטבח המזעזע באזרחים חפים מפשע ב־ מחייבים את כולנו לחשיבה 2023 באוקטובר מחודשת על האופן שבו אנחנו קוראים את ההיסטוריה, את התרבות ואת האמנות שלנו. בין שברגעי שמחה ובין שברגעי מצוקה, אמנות הייתה מאז ומעולם דרך להתמודד עם המציאות. אמנים מגיבים על האירועים ומספרים עליהם, כל אחד ואחת בדרכה או בדרכו, ובכך תורמים את תרומתם לעיצוב ולניסוח הזיכרון הקולקטיבי. מעומק ההלם והגרון החנוק אנו עדים לשיטפון של תגובות. נדמה כי בניגוד לאמרה הידועה, הפעם דווקא כשהתותחים רעמו, המוזות התעצמו.אמנים ישראלים רבים פנו ליצירה כדי לעבד את הזוועה ולהנציח את הקורבנות, במיצבים ובציורי קיר במרחב הציבורי, באיורים ובציורים בכל המדיות ברשתות החברתיות. הם עשו זאת מתוך תחושת דחיפות ומתוך רצון להנציח את החיים שנגדעו ולבטא את גודל השבר. האמנות נתפסת בהקשר זה ככלי מחאה לצד ביטוי הכאב הפרטי והלאומי. גם עבודות אמנות אשר נעשו לפני השבת השחורה והמלחמה נטענו ברלוונטיות מצמררת. נדמה כי העיסוק בחרדות ובאימה לצד העיסוק ביופי ובחיים נכחו כאן מאז ומתמיד. גרניקה ) של פבלו פיקאסו 1937( גרניקההציור נוצר בעקבות ההפצצה של העיירה הבאסקית גרניקה, שבוצעה על ידי מטוסי חיל האוויר הנאצי וגבתה חיי אדם רבים. פיקאסו יצר הגרניקה כהשראה, אז והיום כרמית בלומנזון
13
12 Alamy Stock Photo / EnriquePSans . , שמן על בד 1937 ,גרניקהפבלו פיקאסו,
11 המתקרבים. מסכת סיליקון בודדת על קיר הגלריה היא עדות דוממת לתהליך היצירה, בעוד במספר קטעי וידיאו אנו מגלים בזעזוע את אנושיותן של הדמויות כאשר עיניים חיות נצפות דרך חורים במסכות סיליקון מאובנות. גפיה של האישה הצועקת, הצבועים בצהוב חולני, שייכים לשני אנשים שונים, והראש במסכה שייך לדמות שלישית. חורים במסכה של האיש המוטל על הקרקע חושפים עיניים אנושיות מיוסרות, וניתן להבחין בלשון אנושית דרך "פה" פעור וחסר שפתיים. היצור היחיד שנותר ללא פגע הוא הפרח, אשר מונפש בווידיאו באמצעות ידיו של האמן. הפוסט-אנושי: מחווה לגרניקה גיבורי של פלטניק, אנשים, חיות וחפצים, נראים אנושיים מאוד הודות למראה הלואו־טק המובהק שלהם, הנעדר ברק טכנולוגי. ועם זאת, פלטניק תופס אותם כרובוטים, מונח , וידיאו חד-ערוצי 2023 , ילדים משחקים. מישל פלטניק, 5 תמונה הנושא קונוטציות טכנו־דיסטופיות מובהקות. הם מאכלסים אפוא מרחב ביניים, בין האנושי ללא אנושי. במקום מנגנון טכנולוגי עלום ומאיים, ידי האמן הן אלה המושכות בחוטים ובמנופים ממש לנגד עינינו, ועיניים אנושיות מציצות אלינו דרך חורים בעורות סיליקון מאובנים. דמויות אלו, המאכלסות מרווח דק בין האנושי לפוסט-אנושי, מייצרות תקשורת מיידית בעלת עוצמה רגשית מובהקת. המחווה של פיקאסו היא לפיכך גרניקה של פלטניק ל אנושית במהותה העמוקה ביותר, ועדות לכך היא תחושת החרדה העולה מהמיצב לנוכח המחיקה הצפויה של התרבות האנושית, כפי שפלטניק תופס זאת, באמצעות טכנולוגיות מעשה ידי אדם הנעשות מורכבות ומאיימות במהירות מסחררת.
10 מציג רגע של אסון שבו היצור האנושי, חשוף בפגיעותו, פוגש את הפנים ההרסניות של הקדמה הטכנולוגית בדמות נשק להשמדה פלטניק מתמקד מחווה לגרניקה המונית. ב ברגע הנוכחי, שבו נדמה כי הגבול בין האנושי לטכנולוגי נפרץ סופית ואנו עומדים על סיפו גרניקהשל עידן פוסט-אנושי. לצד זאת, מהדהדת בעוצמה את הטראומה הקולקטיבית באוקטובר. 7 של אזרחי ישראל לאחר טבח ה־ הפוסט-אנושי: מחווה לגרניקה במיצב פלטניק מחלץ דמויות בודדות מתוך הקומפוזיציה המונומנטלית של פיקאסו: התינוק, הסוס, הציפור, האיש המוטל על הקרקע, האישה הזועקת שידיה מונפות בייאוש, אישה נוספת נשקפת מחלון בית בוער, יד ללא גוף, ה"שמש" שמאירה את הזוועה, ולבסוף הפרח – רמז זעיר לחיים ולתקווה שפיקאסו נטע בלב המאפליה. פלטניק משחרר את הדמויות הללו מכבלי הקומפוזיציה ומעניק להן מרחב אינדיווידואלי שבו הן חופשיות לבטא את ייסוריהן ואת חוסר האונים שלהן. ידיו של פלטניק נראות מנפישות את הדמויות בעבודת הווידיאו: הן מושכות בחוטים המניעים את כנפיה ואת צווארה של הציפור ואת ידיו של התינוק וגם במוט המפעיל את עלי הכותרת של הפרח. האובייקטים המוצגים בחלל הגלריה, לעומתם, מוּנעים באמצעות מנועי סרוו, ואלה גם אלה מגיבים למבקרים באמצעות תקשורת עם מצלמות ועם חיישני תנועה המותקנים בחלל. כך, התינוק פוקח את עיניו ועוקב במבטו אחרי המבקר, הסוס מניע את גפיו באוויר בחוסר אונים טרגי והפרח נפתח ופורש את כותרתו. אחדות מן הדמויות אף לוחשות אל המבקרים , וידיאו חד-ערוצי 2024 ,תמוז. מישל פלטניק, 4 תמונה הבוערות של העידן הנוכחי, ובהן החשש מאובדן האנושיות למול האצה בתמורות .21 הטכנולוגיות בפתח המאה ה־ עניינו המתמשך של פלטניק ביצירותיו הפוליטיות של פיקאסו הוביל אותו לפנות ). ציור זה 1937( גרניקהלציורו המונומנטלי נוצר כתגובה להרג ההמוני של אזרחים בעיירה הבאסקית גרניקה בעקבות הפצצה אכזרית של חיל האוויר הגרמני-נאצי במהלך מלחמת האזרחים בספרד. הציור האיקוני של פיקאסו
9 , שבו פיקאסו קלוד ופלומה מצייריםבציור מתאר את ילדיו הצעירים, מצא פלטניק הד לחששו הכבד מפני הסכנות הנשקפות לילדיו שלו בעידן של עימותים ומלחמות ושל תמורות טכנולוגיות קיצוניות. "ובלב כל זה – הילדים", הוא כותב, "דור העתיד שבו אני צופה בחרדה, הדור שייאלץ לשאת בתמורות המתרחשות בקצב מסחרר, מצב שלעיתים נראה לי חסר 1 שליטה ולעיתים דווקא נשלט מדי". תחושת חוסר האונים לנוכח קטסטרופה הפוסט-מתקרבת ממשיכה להדהד במיצב , המוצג בגלריית אנושי: מחווה לגרניקה . תרגום מאנגלית: חוה אלדובי. 2024 הודעת דוא"ל לחוה אלדובי, 1 . Garden Muse ו־ Tammuz , Children Playing שלוש העבודות הראשונות בסדרה הן 2 .)2025 האוניברסיטה הפתוחה (מאי-ספטמבר PostHum זוהי העבודה הרביעית בסדרה אולם בשונה מעבודותיו 2,Condition הקודמות, שנוצרו באמצעות בינה מלאכותית, בעבודה זו נבנו "רובוטים" מכניים בעבודת יד ונעשה שימוש בהנפשת אובייקטים באמצעות משיכה בחוטים, פשוטו כמשמעו. המיצב כולל שמונה עבודות וידיאו ושישה אובייקטים פיסוליים, ארבעה מתוכם מופעלים באמצעות מנועי סרוו ובקרים, "רובוטים" כפי שמכנה אותם פלטניק. היצירה ממשיכה את עיסוקו בסוגיות הקיומיות ,Bordermine , מתוך הסדרה בעקבות "נער שוכב (אריך לדרר)". מישל פלטניק, 3 תמונה , וידיאו חד-ערוצי 2020
8 תוך היצירה כסוכן של הזרה, אווטאר כפי )2023( ילדים משחקיםשהוא מכנה זאת. stop ) הן עבודות סטופ מושן ( 2024( תמוזו ) שנוצרו בתהליך שפיתח פלטניק תוך motion עבודה עם גרסה מוקדמת של מודל הבינה , שבו השתמש Stable Diffusion המלאכותית לאחר שהתאים אותו למטרותיו ובמנותק מרשת האינטרנט. נקודת המוצא של עבודת ) היא הטריפטיך 4 (תמונה תמוזהסטופ מושן הקדושים המתבודדים של הירונימוס בוש ). גם כאן מעורב ציור ישיר על גופה 1493( של פרפורמרית, אשר מגלמת את דמותו של הירונימוס הקדוש מתוך הפאנל המרכזי של הטריפטיך. נוסף על צילומי וידיאו של הדמות, פלטניק צייר בנפרד את האלמנטים המרכיבים את העבודה: דמות, עץ, רקע. האלמנטים הללו Stable־ עברו עיבוד גנרטיבי באמצעות מודל ה , והעבודה הסופית הורכבה בידי Diffusion פלטניק, פריים אחר פריים, מתוך הדימויים הגנרטיביים שמקורם בדימוייו שלו. הבחירה המדוקדקת של כל פריים מתוך השטף הגנרטיבי וההרכבה מעידות על מידת השליטה הגבוהה של פלטניק בתהליך העבודה. ) נוצרה בתהליך 5 (תמונה ילדים משחקים דומה, שבו רישומים ותצלומים של פלטניק עברו תהליך גנרטיבי. נקודת המוצא לעבודה זו קלוד ופלומה מצייריםהיא ציור של פיקאסו ), שפלטניק עיבד תוך שהוא מוסיף לו 1954( סביבה אורבנית. את הרישום המעובד, בצבעי . Augmented Picasso מים, הוא מכנה התהליך התבסס על רישומים ועל תצלומי הכנה שהוא הזין כחומרי גלם לתוך המודל. גם כאן שמר פלטניק על שליטה מקסימלית באופן שבו שיבש המודל את הדמויות ואת סביבתן, תוך שהוא משאיר גם מרחב לאקראיות ולבלתי צפוי. במהלך הווידיאו, דמויות הילדים משתבשות לבלי הכר, כמעט עד אובדן צלם אנוש, ומתפתח עולם דיסטופי ששיאו בחורף מאיים, אשר נראה כתוצאה של אסון טכנולוגי או אקולוגי מעשה ידי אדם. ,After , מתוך הסדרה בעקבות "שלושה מתווים לדיוקן של לוסיאן פרויד". מישל פלטניק, 2 תמונה , מיצב וידיאו תלת-ערוצי 2013
7 Figure 1. Michel Platnic, Self Portrait 2009 ,דיוקן עצמי. מישל פלטניק, 1 תמונה ציור ישיר על הגוף ועל הפנים נכנסים פלטניק ושותפיו לתוך עורן של הדמויות המעונות של בייקון, אשר בהיעדר מעטפת עור מגוננת נראות חשופות עד כאב. פלטניק משתמש בציור ישיר על העור כדי לתווך את האימה ואת אובדן האנושיות באופן בלתי אמצעי, אך בה בעת הוא מחזיר לדמויות הללו משהו מאנושיותן – הוא מעניק להן את היכולת לנשום ולספר את סיפורן באמצעות תנועה במרחב, צר וכולא ככל שיהיה. פלטניק Bordermine בדומה לכך, בסדרה ופרפורמרים נוספים מגלמים דמויות מעבודות על נייר של אגון שילה. בעבודות הווידיאו המרכיבות את הסדרה, הגבול שבין משטח הרישום לבין נפח הגוף החי בעקבות "נער מיטשטש. בעבודת הווידיאו ) פלטניק 3 (תמונה שוכב (אריך לדרר)" כלא את עצמו במעטפת בד הדוקה, באופן שהעלים את גופו לתוך פני השטח של הרישום. ראשו ופניו, אשר עוטים את דיוקנו של הנער אריך לדרר מן הרישום של שילה, הם האלמנט היחיד שבו ניתן להבחין בסימני חיים. למעשה רק העיניים נעות בעבודת דקות איננה 16:35 וידיאו זו, אשר לאורך מסגירה את נוכחותו של גוף חי ונושם. גופו של האמן כמו מתמוסס אל תוך הנייר או אל תוך הרישום של האמן האחר. כך או כך הוא מאבד את נוכחותו המובחנת ומתעורר חשש כבד לשלמותם של הגוף ושל ה"אני". ואכן, , הבנויה על כפל Bordermine כותרת הסדרה border (גבולי) ו־ borderline המשמעות שבין (הגבול שלי), מסבכת ומערערת את mine רעיון ה"אני" כישות תחומה ומוגדרת היטב באמצעות גבולות של זהות ומעטפת של עור, במובנו הממשי והסימבולי כאחד. עטיית עורן של דמויות מן הציור המודרני, כאן באחד ממופעיו החרדתיים ביותר, היא מעשה שיש בו מן החשש מפני התמוססות המעטפת ואובדן צלם האנוש והתגוננות באמצעות שכבת עור חיצונית נוספת שמקורה בציור. גילה פלטניק עניין בבינה מלאכותית 2023 ב־ יוצרת ובהשפעתה האפשרית על הסובייקט האנושי. שתי העבודות הראשונות בסדרה נוצרו בתהליך שפיתח PostHum Condition פלטניק ובו הוא מכניס תהליך גנרטיבי אל
6 מבט אל הפוסט-אנושי: מישל פלטניק וגרניקה של פיקאסו חוה אלדובי מישל פלטניק חוקר מראשית דרכו האמנותית את הגבולות שבין וידיאו לציור ובין צבע לעור. דיוקן עצמי שצייר ישירות (1 (תמונה 2009 על פניו ועל עורו החשוף ב־ על פי דיוקן עצמי בשמן על בד, היה צעד ראשון ונועז במסע שבו הוא "מגדל" מעטפת עור נוספת שמקורה בציור. שכבת העורציור מכסה על פגיעוּת גדולה ובה בעת גם חושפת אותה. פלטניק המשיך ופיתח את הפרקטיקה של ציור ישיר על העור ,2020-2013 במיצבי וידיאו שיצר בשנים (2014-2013( After ובהם הסדרות ). בסדרות הווידיאו 2020( Bordermine ו־ והצילום הללו פלטניק ופרפורמרים נוספים עוטים עליהם את עורן של דמויות מיוסרות מתוך יצירותיהם של הציירים פרנסיס בייקון ) ואגון שילה 1992-1909 ,Francis Bacon( ) בהתאמה 1918-1890 ,Egon Schiele( ). בסדרות אלו פועל פלטניק 3 ,2 (תמונות בשני ערוצים: פנומנולוגי וסמיוטי. בראשון הוא בוחן את כוחו של הציור כמדיום חושני המאפשר תקשורת בלתי אמצעית ובשני הוא פונה אל יצירות טורדות מנוחה של אמנים כבייקון, שילה ואדוארד הופר ). הוא 1967-1882 ,Edward Hopper( משחזר את היצירות בסטודיו ונכנס לתוכן, פיזית ממש, כנקודות גישה הנפתחות אל מעמקים של חוויה קיומית חסרת מנוח. פלטניק משחזר את After כך, בסדרה המבנים המרחביים המוזרים של פרנסיס בייקון בסטים מעץ הנבנים במרחב הפיזי של הסטודיו. הוא מאכלס את המרחבים הללו בעצמו, לצד פרפורמרים נוספים. באמצעות
5
4
הפוסט־אנושי: מחווה לגרניקה מישל פלטניק חוה אלדובי וכרמית בלומנזון פרופ׳ אוצרות: סרטון המתעד את תהליך העבודה
המרח"ב (המרכז למדעי הרוח והחברה) הדיגיטלי גלריית האוניברסיטה הפתוחה , המחלקה לספרות, ללשון ולאמנויותפרופ' חוה אלדוביניהול אמנותי הפוסט-אנושי: מחווה לגרניקה / מישל פלטניק פרופ' חוה אלדובי וכרמית בלומנזוןאוצרות 2025 – ספטמבר 2025 מאי קטלוג נילי פזריכוז קארין אליהועריכה שירלי וגנר ,פרופ' חוה אלדוביתרגום לאנגלית ליליאן כהן, ג'ין ורמלעריכת אנגלית אילנה ברויטמן אקסלרוד ,ענת וקנין אפלבאוםעיצוב ועימוד טל ניסיםצילום התערוכה לקטלוג 2025 הפוסט-האנושי: מחווה לגרניקה, דימוי הכריכה מתוך תודות גילי בינדר ואלן זיתוןדוגמני צילום כרמל בן-אור, יעל פרידמן, רינה שבצ'נקו, מיכל דוד,דניאל רזאסיסטנטים אלכסנדר קורשונוב ,פבל פרצרהנדסת תוכנה © 2025 גלריית האוניברסיטה הפתוחה, תשפ"הקריית האוניברסיטה הפתוחה ע"ש דורותי דה רוטשילד 4353701 , רעננה 808 , ת"ד 1 דרך האוניברסיטה www.openu.ac.il *3500 או 09-7782222 טל':
הפוסט־אנושי: מחווה לגרניקה מישל פלטניק
הפוסט־אנושי: מחווה לגרניקה מישל פלטניק
RkJQdWJsaXNoZXIy Mjk0MjAwOQ==